samedi 20 avril 2013



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jeudi 19 janvier 2012

THE VISIONARY GARDEN - Mémoire[s] d'un oeil mécanique - 1980-2005...

"The Visionary Garden"

TVG 03 "The Visionary Garden" (Vienna, 1994)

TVG 05 "La Loge Infernale" (1982)

TVG 06 "Ukiyo" (Tokyo, 1993)

TVG 11 "Ukiyo" (Tokyo, 1993)

TVG 12 "Suspiria de Profundis" (1991)

TVG 23 "Ad Infinitum" (1992)

TVG 41 "Autolyse" (1982 ?)

TVG 43 "Le Plomb Des Cartes" (1982)

TVG 46 "The Hidden Cage" (Geneva, 1994)

TVG 59 "Les 120 Journées..." (1985)

TVG 64 (1980)

TVG 71 "Prisons" (1981 ?)

TVG 81 "Memorial" (1982 ?)

TVG 92 "Some Experiences With Shock" (1983)

TVG 95 "The Visionary Garden" (1995)

TVG 103 "The Visionary Garden" (Vienna, 1994)

TVG 106 "Some Experiences With Shock" (1984-94)

TVG 111 (Vienna, 1994)

TVG 114 "L'âme électrique" (1995)

TVG 117 "L'âme électrique" (1995)

TVG 118 "Duality" (1997)

TVG 122 "Duality" (Cologne, 1995)

TVG 128 "Duality" (1996)

TVG 131 "Duality - Leda's Secret" (1996)

TVG 134 "Histories - Au-delà du bien et du mal" (Cologne, 1995)

TVG 141 "Extremum XX" (1996-2000)

TVG 143 "Extremum XX" (1996-2000)

TVG 144 "Extremum XX" (1996-2000)

TVG 149 "Extremum XX" (1996-2000)

TVG 150 "Zoopsia" (2002)

TVG 151 "Extremum XX - Rain Of Blood" (1996-2000)

TVG 157 "Extremum XX - Itopsia Atropos" (1996-2000)

TVG 160 "InHuman" (1996-2003)

TVG 161 "InHuman" (1996-2003)

TVG 164 "InHuman - Féerie" (1996-2003)

TVG 168 "InHuman" (1996-2003)

TVG 169 "InHuman" (1996-2003)

TVG 170 "InHuman - Ad Libitum" (1996-2003)

"Bach Project" (1996-2003)

"ExHuman" (2005)


« Death, which disheartens the vulgar minds
makes genius even more reckless ».
(Madame de Staël, On Germany)

  There is one mistress to whom the entire mankind owes its most miserable bondage, unlikely offspring of a life generating deity, man whose cries draw the frame of a dreadful chaos, put rhythm into his days of agony to the light of conscience. Contingency, this femme fatale in dark slashed rags, urges us into the anarchical teeming of the world where everyday the lost souls ponder this irrational uprooting into emptiness. The reckless soul is overwhelmed every single second by a prolific questioning of doubt darkened by the ever coming years. Perfidiousness, queen of these borough, curled up in the even less fertile recess of Nature, plays with our vainest hopes and serenely harvests with a firm, rigorous, heartless and untouchable hand the freshly ripped seed and a few rotten fruits. Launched into life in media res, it’s against his will that man is hopelessly forced to follow the decay imposed by centuries of bitterness. Go always faster, create useless and imposing stirs and forget if need be that we will be uprooted from this life the way we came into it : by the arbitrary indifference of overwhelming forces.
  To grasp what is at stake in photography is to understand this irremissible need to control : to catch these evanescent fumes and brave these deadly abstractions which dress our ephemera with the eternal tiara of sorrow.
  This race (mad and hazardous) to the chasm must be stopped at all costs. To be the master of the world for some time. And what else could we expect of photography than this concise ability to stop the killing flow of time ? Man must be given back what belongs to God without doubting at any rate on the reasons that urge us to this metaphysical coup Acting on reality necessarily implies this temporary dismissal as the artist must be given above all a sense of responsibility regarding man and life. Only then, this coming wandering will lead him to the illusive and controversial end of his quest : truth. Thus, more than any other expression of art, photography must be the capture of a significant light, imposing to relate man’s obsessive conceit. He pretends to seize the truth of the moment and the moment itself. « This recess of creation seen through a temper »1. It will be sublimated by the intelligence of the eye which does not try to recreate reality but to compose it. These are not the usual attributes of this creative god whose seer is the artist. The photographer will never be this regulating creator of life but above all the clairvoyant eyes of the poet. He must strive to rehabilitate our senses and not only sight with the emergence of a reality temporarily hidden by the listless routine. « To contemplate things is indeed to end up not seeing them »2. Reality and the maze that it is made of do not exist anymore : it is precisely the awareness that we have of it that will actualize this potential of life. Photography would then be both the art of a durative present, the subjective materialization of the concept and the reaffirmation of an existential potentiality.

     This last perspective, assumed by numerous artists, does not however make the cornerstone of « The Visionary Garden » whose title itself does enlighten the alleged aims of the photographer. Indeed, great is the temptation to put together this visionary garden to these ethereal places here once the history of mankind was at stake, with wild nature in the background, to seduction, to miscarried innocence and to eternal banishment.
Let’s come back to these places of envy to better reaffirm the intristic duality of human nature, duality which the profane and sacred mix insidiously. What is then the status of the photographer ? Visionary poet, simple scribe claiming he doesn’t judge and to whom god gives the power to reveal this unchanging truth of man ? Or the ommiscient poet who is chasing god from collective memory and takes his role in order to give back to men what they have always lacked : the rational knowledge of the world ? On the one hand, the
passive artist, inspired, receptacle of flesh for a word that goes beyond him and that he only passes on. On the other hand, the pure visionary, the one who inspires and leads this wild crusade to a goal that he will, at best, brush. Does the artist himself really know on which throne he is seated ? God and prophet at the same time,
« Blessed the one that feels in his thought this double might of mediation and inspiration, who is the genius ! »3

     The collection emphasizes in fine the combined study of archetypes which far from stating the obvious on the federative themes of any artistic approach, show a singular view on our universal narcissistic obsession. Is it necessary to recall that the internal conflicts of the world of art are only petty clashes that merely hide the desire to focus on a common cause : man, man and always man. Our photographer’s sincerity surely resides in this monomaniac pugnacity which leads him to endlessly explore the same horizons. If this (therapeuthic ?) relentlessness translates for some the faults of a dying imagination, on the contrary they don’t take into account the depth of the analysis, faultless and true to the spirit that every artist must follow on the track he strived to draw. Despite two decades of time gap, we find again this nearly dogmatic conformity thanks to recurring elements that take part in the definition of Philippe Fichot’s universe itself. The processing of these elements, sealed by their master, sets up a sequence of DNA easily recognizable by an experienced audience. A style was asserted on topics – love and death – which work as focal investigations : time, women and the composition.


     If death remains an abstract entity, half feared by man, unchanging and unwinding time is its most concrete demonstration. Its globally negative action both breeds awareness of our own physical decay and the fear of a closing death. To defeat the numerous traps 
lain by life is indeed not enough. Divine scorn has limits man would reasonably not cross at the end of this providential pardon. To question death is thus to face his dearest messenger.
     However, it’s under the disguise of romantic fantasy that the photographer often invites us to seize this last second when man irreparably thinks he is falling into the timeless. The picture seizes this clash between the novelty of death fixing beauty and the unrelenting second opening the way to the inflexible decay. Time is then the simple tool devoted to an aesthetic of fall brushing an illusionary necrophiliac desire from the inside. In spite of all this, fantasy gives way to the passive coldness of a truth dealing before all with the real human. At the heart of the thought on mankind, it also creates a definition of the roles attributed to art in general. The picture is – as shown above – the perpetual jail of a captured time which should convey an immutable, eternal and divine nature. But this fantasy approach to art is swept by the artist himself who compromises this naïve desire for immortality by fixing the dreadful transparency of the decaying bodies melting with nature into a deadly and regenerating compost : dust you will be dust. The idea of art is not a way of redemption for man who will die in spite of all his illusions.


     Main artistic representation in Japanese art between the 17th and the 19th century, the ukiyo-e, picture of a floating world, defined for a very long time this feminine beauty embodied by the courtesan. In spite of becoming outdated when Japan underwent westernization, the concept has its role in the world of art thanks to photography, although it is much too often dedicated to random fashion. This seizure of ukiyo-e dearest themes enables Philippe Fichot to confront woman to our contemporary ways of thinking. Recurrent and obsessive topic, the women of this visionary garden seem to be the mistresses of a voluntary bondage. Suffering self-inflicted pain, the impudent serenity of their eyes often
consider these nearly limbless dolls sacred. Their surgery-like postures turn us into the privileged witnesses of a carnal autopsy. Erotic executioners of their own misfortune, they repeat the painful sophistications of their industrial masturbations and at last free of the never ending male yoke and the moralizing dogma they taste the pleasure of the flesh that sometimes break the relentless coldness of these strangely intact corpes, stricken by hanging time. The artificial mechanic is just the natural extension of the body. It becomes an external sexual and bulging appendix and thus embodies a new negation of man whose natural or plastic phallic attributes appear ridiculously poor. Even more serious, the object seems to be gifted with an awareness enslaved to the woman’s pleasure and doesn’t hesitate to attack its hereditary enemy if need be.
     Indeed we are facing a treacherous attempt to extract woman from a social system in which she fades away from man. Treacherous it is because the alternative offered lies not only in the realization of this claimed clash from a cultural process known as frozen but aloes and mainly in this apparently self destroying self abnegation that mixes pleasure and pain. Woman is not this sweet and listless conscience anymore, slave of a social conformity that had kept her asleep so far. In charge of our fate from now on, she desires, suffers, comes and ends up being the man she never was.


     Here more than anywhere else, art comes out of the constraint imposed by the despotic artist who loves to abolish any kind of chance. Life and death are the true slaves of demagogic ambitions that lie in any quest of truth. How can we then accept the deprival of freedom in a field which is entirely dedicated to it ? In fact, the legitimate hope of any superior expression of beauty justifies this extreme desecration of the art inherent principles. Organic or vegetal material owes a total abandonment and must enable the creator to transcend or to answer the conformity of the ideal model that urged him to act.
     The seizable gravity and the obvious suffering conveyed by each scene greatly translate the harshness of the link between the photographer and the different protagonists. He directs them, places them, subdues them to martyrdom with lanky, delicate and deliberately perverse postures that he orders. The chaos conveyed by these painful and artificial poses is nothing but a brightly directed illusion to feign the indifference of death or of the executioner. To contemplate this dark universe under the light of death and to take these different scenes as fixed snaps of reality would be the worst misinterpretation. Philippe Fichot does not shoot life but the polymorphous idea about its feared end.
     This staging of chaos is not exclusive. The background is often the occasion for the photographer to set up a natural dictatorship where the elements are organized in a perfect symmetry. This artificial order deprives nature of its core and emphasizes the subjects who then seem to be stacking on the background. The internal multiplication of the picture is not without producing a mirror effect that once again returns man to himself. Like the psyche or vanities, the artistic exploration of gemellity mixed with the picture of Eros and Thanatos invite the viewer to this heavy work of introspection that conditions more than his fear of life and his discouragement facing death.

  Let’s at last (re)discover « The Visionary Garden » for what it has always been : the symphonic score of an aborted candour that draws from the dark and troubled water of the world, an answer motivated by the unbearable boldness of silence.

     Tony Leduc-Gugnalons.
1 Emile Zola
2 Contemplations, Victor Hugo
3 Article sur Eloa, Victor Hugo


« L’idée de la mort, qui décourage les esprits vulgaires,
rend le génie plus audacieux ».
(Madame de Staël, De l’Allemagne)

     Il est une maîtresse à laquelle l’humanité entière doit son servage le plus misérable ; rejeton improbable et servile d’une déité ordonnatrice de la vie, l’homme dont les pleurs génésiaques dessinent les contours maculés  d’un horrible chaos, rythme ses jours d’agonie à la lumière de la conscience. La contingence, cette femme fatale aux sombres guenilles lacérées, nous presse dans le fourmillement anarchique du monde où les âmes abandonnées ruminent chaque jour cet arrachement irrationnel au vide. L’esprit, sans trêve effective, est accablé chaque nouvelle seconde par un questionnement fécond d’incertitudes que les années venant viendront obscurcir davantage. La perfidie, reine en ces lieux, lovée dans les recoins toujours moins fertiles de la nature, se joue alors de nos espoirs les plus vains et glane, sereine,  d’une main ferme et rigoureuse, impitoyable et incorruptible, la graine fraîchement mûrie et quelques fruits gâtés. Projeté dans la vie in media res, c’est bien malgré lui que l’homme se voit contraint de suivre la (dé)cadence imposée par des siècles d’amertume ; aller toujours plus vite, brasser d’imposants remous inutiles et oublier, le cas échéant, que nous nous arracherons à cette vie  comme nous y sommes venus : par l’arbitraire indifférence de forces qui nous submergent.
  Appréhender les enjeux essentiels de la photographie, c’est comprendre ce besoin irrémissible de contrôle : saisir ces vapeurs évanescentes et défier ces abstractions funestes qui parent notre éphémère du diadème éternel de l’affliction.

  « Borné dans sa nature, infini dans ses vœux
  L’homme est un dieu tombé qui se souvient des cieux »1

  Il faut arrêter à tout prix cette course affolée et hasardeuse vers le précipice. Se rendre un temps maître du monde. Et qu’attendre de la photographie si ce n’est précisément cette aptitude à suspendre le flux assassin du temps ? Il faut rendre à l’homme ce qui appartient à dieu sans douter un instant des raisons qui nous font entreprendre ce coup d’Etat métaphysique. L’action sur le réel passe nécessairement par cette destitution temporaire car il s’agit avant tout de responsabiliser l’artiste devant les hommes et devant la vie. Alors seulement, ses errances à venir le conduiront au terme illusoire  et controversé de sa quête : la vérité. Car plus que toute autre expression de l’art, la photographie doit être la captivité d’une lumière signifiante qui impose de rendre compte de l’obsessionnelle vanité de l’homme prétendant saisir la vérité de l’instant et l’instant lui-même. « Ce coin de la création vu à travers un tempérament »2 sera sublimé par l’intelligence de l’œil qui ne cherche pas tant à restituer le réel qu’à le composer. Ce ne sont point là les attributs usuels de ce dieu créateur dont l’artiste est le prophète ; le photographe ne sera jamais ce grand horloger régulateur de la vie, mais le regard extralucide du poète – ce qu’il est avant tout – qui s’attache à rééduquer nos sens – et pas uniquement la vue – par l’émergence nouvelle d’une réalité temporairement dissimulée par l’apathique quotidien – « contempler les choses, c’est [en effet], finir par ne plus les voir »3. Le réel et le dédale qui le compose n’existent pas dans l’absolu ; c’est précisément la conscience que nous en avons qui actualisera ce potentiel de vie. La photographie serait donc à la fois l’art d’un présent duratif, la matérialisation subjective de l’idée et la réaffirmation d’une potentialité existentielle.

  Cette dernière perspective, assumée par nombre d’artistes, ne constitue pourtant pas la pierre angulaire de « The Visionary Garden » dont le titre même  n’est pas sans éclairer les desseins supposés du photographe. Grande est la tentation effectivement de rapprocher ce jardin visionnaire de ces lieux éthérés où s’est joué un temps l’histoire de l’humanité, sous fond de nature inculte, de séduction, d’innocences avortées et de bannissements éternels. Revenons donc en ces lieux de convoitise pour mieux réaffirmer la dualité intrinsèque à la nature humaine ; dualité où se mêlent insidieusement le profane et le sacré. Quel est dès lors le statut du photographe ? Le prophète visionnaire, simple scribe qui se défend de juger et à qui dieu donne le pouvoir de révéler cette vérité immuable de l’homme ? Ou le poète omniscient qui chasse dieu de la mémoire collective et se substitue à lui afin de restituer aux hommes ce qui leur a toujours fait défaut : la connaissance raisonnée du monde ? D’un côté, l’artiste passif, inspiré, réceptacle de chair à une parole qui le dépasse et qu’il ne fait que transmettre ; de l’autre, le visionnaire pur, celui qui inspire et mène cette croisade insensée vers un but qu’il ne fera, au mieux, qu’effleurer. L’artiste lui-même sait-il réellement sur quel trône il siège ? Dieu et prophète à la fois, « heureux [doit être] celui qui sent dans sa pensée cette double puissance de méditation et d’inspiration, qui est le génie ! »4

  Le recueil exacerbe in fine l’étude combinée d’archétypes qui, loin d’enfoncer les portes ouvertes sur les thèmes fédérateurs de toute approche artistique, présentent un regard singulier sur notre universelle obsession narcissique. Faut-il rappeler que les conflits internes au monde de l’art ne sont, en définitive, que des divergences anecdotiques qui masquent mal le désir d’embrasser une cause commune : l’homme, l’homme et encore l’homme. La sincérité de notre photographe tient assurément dans cette pugnacité monomaniaque qui l’amène à explorer inlassablement les mêmes horizons. Si cet acharnement  (thérapeutique ?) traduit pour certains les défaillances d’une imagination à l’agonie, ils ne songent pas, au contraire, que la profondeur d’analyse ne souffre aucune infidélité de l’esprit et que chaque artiste a le devoir de poursuivre la voie qu’il s’est efforcé de tracer. Nous retrouvons donc, malgré ce gouffre temporel de deux décennies, cette conformité quasi dogmatique à des éléments récurrents qui participent à la définition même de l’univers de Philippe Fichot. Le traitement de ces éléments, marqués du sceau de leur maître, élabore une séquence ADN que les spectateurs avertis parviennent à identifier aisément. Un style s’est affirmé autour de sujets – l’amour et la mort - qui fonctionnent comme autant d’investigations focales : le temps, la femme et la composition. 


  Si la mort demeure une entité abstraite que l’homme craint sans grande conviction, le temps et son déroulement inaltérable en constitue une manifestation concrète parmi les plus sures. Son action globalement néfaste cultive à la fois la conscience de notre propre déchéance physique et l’appréhension d’un couperet que l’on sent toujours plus vif. Vaincre la foultitude de pièges tendus par la vie n’est en rien suffisant, la condescendance divine a bien évidemment des limites que l’humaine condition ne saurait raisonnablement franchir  à l’issue de cette grâce providentielle. Questionner la mort revient donc à combattre de front son émissaire le plus dévoué. 
  C’est pourtant sous les apparats du fantasme romantique que le photographe nous invite bien souvent  à saisir cette dernière seconde où l’homme croit irrémédiablement basculer dans l’atemporel. Le cliché marque cet instant de rupture entre la fraîcheur de la mort qui fige la beauté et l’implacable seconde qui ouvre la voie à l’inexorable décomposition. Le temps n’est alors qu’un instrument au service d’une esthétique du vertige qui caresse en nous un illusoire désir nécrophile. Le fantasme laisse malgré tout la place à l’impassible froideur d’une vérité qui touche avant tout l’homme du réel. Au cœur des processus de réflexion sur les fondamentaux de la condition humaine, il constitue de surcroît un axe de définition des rôles prêtés à l’art en général. Le cliché est – nous l’avons montré – la geôle apparente d’un temps prisonnier qui se doit en théorie de faire état d’une nature immuable, éternelle et d’essence divine. Or, cette approche fantasmatique de l’art est balayé par l’artiste lui-même qui compromet ce désir naïf d’immortalité en fixant l’effroyable transparence de corps qui se décomposent et se fondent à la nature, en un compost tout à la fois synonyme de mort et de régénérescence : poussière tu redeviendras poussière. L’idée est que l’art n’est pas un vecteur de salut pour l’homme qui devra, en dépit de toutes ses illusions, mourir.


  Représentation majeure de l’art japonais entre le XVIIème et le XIXème siècle, l’ukiyo-e, image du monde flottant, a longtemps figé cette beauté féminine incarnée par la courtisane. Tombé en désuétude lors du processus d’occidentalisation du Japon, le concept, par l’entremise de la photographie, trouve malgré tout aujourd’hui quelque écho dans un monde de l’art, pourtant trop souvent asservi aux engouements des modes aléatoires. Cette appropriation des thèmes chers à l’ukiyo-e permet à Philippe Fichot de confronter la femme aux modes de pensée de notre époque contemporaine. Sujet obsessionnel et récurrent, les femmes de ce jardin visionnaire semblent les maîtresses d’une servitude volontaire. En proie à une douleur proprement infligée, l’insolente sérénité de leurs yeux sacralise bien souvent ces poupées quasi démembrées dont les postures chirurgicales font de nous les témoins privilégiés d’une autopsie charnelle. Bourreaux érotisés de leur propre infortune, elles multiplient les douloureuses sophistications de leurs masturbations industrielles et goûtent, enfin libérées du joug de l’éternel masculin et du dogme moralisateur, les plaisirs de la chair qui brisent – parfois – l’impassible froideur de ces corps étrangement intacts mais foudroyés par le temps suspendu. L’artifice mécanique n’est alors plus que le prolongement naturel du corps dont il devient un appendice sexuel externe et saillant, et constitue par là même une nouvelle négation de l’homme dont les attributs phalliques, qu’ils soient naturels ou plastiques, se révèlent d’une pauvreté suggestive affligeante. Plus grave, l’objet semble doué d’une conscience résolument esclave des plaisirs de la femme, et n’hésite pas , le cas échéant, à se retourner contre son ennemi héréditaire.
     Il s’agit en définitive d’une tentative perfide d’extraire la femme d’un système social où elle s’efface devant l’homme. Perfide car l’alternative qui lui est offerte trouve sa réalisation non seulement dans cette rupture revendiquée d’un schéma culturel que l’on croyait figé, mais aussi et surtout dans cet abandon, en apparence autodestructeur, qui mêle à la souffrance, le plaisir. Ce désir vertigineux répond à la sollicitation d’une liberté individuelle pleinement réalisée et à l’affirmation de soi. La femme n’est plus cette conscience amorphe et mielleuse, esclave d’un conformisme social qui l’avait tenue jusqu’à présent endormie. Désormais responsable de son propre destin, elle désire, souffre, jouit, et finit par être l’homme qu’elle n’a jamais été.


  Ici plus qu’ailleurs peut-être, l’art naît de la contrainte imposée par l’artiste despotique qui se plaît à abolir toute forme de hasard. La vie et la mort sont pleinement assujetties aux ambitions démagogiques que représente toute quête de la vérité. Comment accepter dès lors la privation inédite de toute esquisse de la liberté dans un domaine qui lui est pourtant entièrement dévoué ? L’aspiration légitime à toute expression supérieure de la beauté, justifie en fait cette profanation outrancière des principes inhérents à l’art. La matière, organique ou végétale, est redevable d’un total abandon et doit permettre au créateur de transcender ou de répondre à la conformité du modèle idéal  qui l’a poussé à agir.
  La gravité palpable et la souffrance apparente qui transpirent de chaque scène, traduisent bien la sévérité du lien qui unit le photographe aux différents protagonistes. Il les dirige, les place, les soumet au martyre de poses dégingandées et délicates qu’il ordonne, savamment aguerri aux sciences de la perversion. Le désordre alors engendré par ces postures douloureuses et contre-nature n’est rien d’autre qu’une illusion brillamment orchestrée pour feindre l’indifférence de la mort ou du bourreau. Contempler cet univers sombre à la lumière de la vie et prendre ces différents tableaux pour des instantanés figés de la réalité, serait commettre le plus grave des contresens.  Philippe Fichot ne photographie pas la vie mais l’idée polymorphe qui nous en fait craindre l’issue.
  Cette mise en scène du chaos n’est pas exclusive. L’arrière-plan est souvent pour le photographe l’occasion d’instaurer une dictature naturelle où les éléments sont ordonnés dans une parfaite symétrie. Cet ordre artificiel qui dépouille la nature de son essence même, engendre la mise en exergue de sujets qui semblent alors se superposer à la toile de fond. La duplication interne de l’image n’est pas sans produire un effet de miroir qui renvoie, une fois de plus, l’homme à lui-même. A l’instar de la psyché ou des vanités picturales, l’exploration artistique de la gémellité, mêlée à la représentation iconographique d’Eros et Thanatos, invite le spectateur à ce lourd travail d’introspection qui conditionne bien plus son appréhension de la vie que son découragement face à la mort.

  (Re)découvrons enfin «The Visionary Garden» pour ce qu’il n’a jamais cessé d’être : la partition symphonique d’une candeur avortée qui puise dans les ondes troubles et confuses du monde, une réponse motivée par l’intolérable affront du silence.  

     Tony Leduc-Gugnalons

1 Premières méditations poétiques, Lamartine
2 Emile Zola
3 Contemplations, Victor Hugo
4 Article sur Eloa, Victor Hugo